jueves, 1 de noviembre de 2012

Moving In

Hola!

Estas últimas semanas me tuvieron ocupado, inmerso, sumido en un trabajo para presentar a un concurso.
La consigna se trata de un diorama o maqueta escénica dentro de una caja de zapatos. El tema, un recuerdo personal relacionado con el otoño.


Pueden ver la obra completa aquí.

Se trata de una escena representando mi mudanza a una casa compartida con mis amigos.

Elegí trabajar sobre este recuerdo porque sucedió en otoño. Pero principalmente, porque la consigna planteaba también una relación entre dicha estación y la época de vendimia.

Una tarea en la que la comunidad cosecha los frutos del verano, y se prepara para el invierno venidero.

En este caso, el fruto que coseché fue un trabajo que conseguí durante el verano, y que me permitió sustentar mi independencia. La mudanza entrando a la casa también tiene un simbolismo de prepararse para el invierno. Y la tarea comunitaria es la clave, tanto en la vendimia como en esta escena.
Incluí además algunas referencias más sutiles, como motivos de viña en las rejas ornamentales de la fachada.

También, estoy armando un paso a paso del proceso de construcción:


que publicaré en este blog, cuando llegue a ordenar las fotos y redactar que fui haciendo en cada una.

domingo, 14 de octubre de 2012

Very Much

Hace algunos meses, participé en la realización de unas obras para una instalación.
Se trataba de la muestra "Thank you very much!", de Luciano Podcaminsky. Cinco obras, de las cuales dos requerían cierto trabajo miniaturil.

Una de ellas, "Recién Casados", consistía en una pareja de muñecos de torta, cayendo por la pendiente de una montaña rusa.
Tenían que expresar susto, desconcierto, pánico, pero siempre dentro de los márgenes gestuales que un muñeco de torta podría llegar a tener. Es decir, no se buscaba hiperrealismo ni nada por el estilo, tenían que seguir pareciendo muñecos de torta.

Entonces, a partir del autito que iría montado sobre la montaña rusa, tomé algunas medidas para calcular la escala y hacer las dos estructuras de alambre que servirían como esqueletos. Sobre estas estructuras, agregué algunos volúmenes básicos con masilla y fui probando la posición en el auto:


Esas fotos sirvieron como primera verificación para hacer algunas modificaciones: los dos muñecos tenían que tener los brazos hacia arriba.

Una vez aprobada la postura, pasé a seguir agregando masilla, conformando el volumen general primero y luego pasando a los detalles. Generalmente trabajo con varias capas, ya que la masilla de dos componentes tiene una media hora de tiempo de trabajo, y después se endurece. Son pocas las ocasiones en donde se puede hacer algo de una sola vez, generalmente hay que pensar en que lo que se esté haciendo será la base para el paso siguiente, y así sucesivamente.


Traté que todos los detalles fueran coherentes con la situación de un auto cayendo a gran velocidad: el cabello, la corbata, todo lo que pudiera estar volándose hacia atrás reforzaría la sensación de caída.

Una vez chequeado este paso con el cliente, los muñecos ya estaban listos para ser pintados. Comencé con una base en los que serían los colores predominantes para cada uno: blanco y negro.


Sobre esta base, pinté los distintos elementos con acrílicos al agua. Había que mantener el estilo muñeco de torta, así que la pintura debía ser algo mas bien simple.


Y listo! Para las solapas del novio usé barniz brillante sobre el mismo negro base, y a la novia le agregué un collar hecho con una cinta de aluminio, que corté de una chapa.

Ahora, la segunda obra en donde participaría, "Habitación disponible" consistía en una reproducción en miniatura del interior de un Motel. La escena estaría montada dentro de otro auto a escala.
Concretamente, tenía que fabricar algunos elementos a escala para ambientar el motel: un teléfono, una biblia, un vaso, un control remoto, llaves, y dos veladores con instalación eléctrica real.


 Modelé el teléfono a partir de masilla epoxi y alambre de cobre de 1,5 mm. Luego lo pinté de la misma manera que los muñecos, una base en aerosol, y acrílicos al agua. Como el teléfono de referencia era de plástico brillante, usé barniz brillante de modelismo para la terminación.


Sendos links para ver más imágenes de las obras terminadas, o leer una reseña sobre la muestra.

Gracias por leer!





martes, 12 de junio de 2012

Siga al Conejo Blanco

En esta ocasión, quiero compartir con ustedes un trabajo muy reciente.
Hace unas semanas nomás, cumplía años mi amiga ceramista, Tuny. Me enteré dos días antes, por medio de una tarjeta de invitación que tenía un dibujo del conejo de Alicia en el País de las Maravillas.
Yo sabía que a ella le gustaba esa historia, la tarjeta fue una confirmación. Así que pensé en regalarle una versión propia de ese personaje.


Tiene 70mm desde las patas hasta la punta de las orejas. Como es mi costumbre, hasta que la escultura no estuvo bastante avanzada  no se me ocurrió que sería una buena idea sacarle fotos. Tarde pero seguro, documenté las siguientes etapas a partir de este punto, y elaboré un paso a paso de pintura.
Lo estoy publicando porque me hizo acordar a un descubrimiento que hice hace varios años, que cambió radicalmente mi manera de pintar.


El primer paso, impresión blanca (o Primer) en aerosol. Varias capas suaves hasta cubrir toda la figura. Esto se  hace para homogeneizar el color de base; no es el caso, pero a veces el material de fondo tiene distintos colores que la pintura no cubre del todo. Además, esta sustancia (que no es pintura sino una masilla líquida), rellena algunas imperfecciones y genera una superficie homogénea y adherente para pintar con acrílicos al agua.
Hace unos años hubiera dejado el pelaje del conejo como se ve en la foto, y continuado pintando el saco y demás detalles. Hasta que conocí el trabajo de Cyril Abati, un virtuoso pintor y escultor de figuras en miniatura. Por fortuna, este señor se había dedicado a escribir una serie de artículos explicando algunas técnicas de pintura.


En síntesis, se trata de técnicas de pintura tradicional, 2D, para pintar sobre lienzos, pero aplicadas a esculturas. No voy a reproducir su artículo porque no tendría sentido, pero gran parte de lo que muestran estas fotos tiene sus bases allí. 
Primero, con un gris oscuro, pinté algunas sombras sobre el blanco, tratando de simular cómo se organizarían si el conejo estuviera iluminado con una luz fuerte. Las zonas "iluminadas", quedan sin tocar.


Sobre el blanco apliqué una capa muy diluida de amarillo tostado. El acrílico al agua alcanza niveles de dilución tales que permite aplicar la pintura en capas muy delgadas, como velos. Se denominan veladuras, o glaseados. En este caso es solamente para darle un filtro cálido al blanco y enriquecer el color, es importante no tapar el blanco de fondo, que se siga viendo.


Ahora sobre este blanco-amarillento, volví a pintar las zonas más iluminadas, resaltándolas con una mezcla de gris y blanco, usando blanco puro en las salientes más pronunciadas. También comencé a darle al hocico y al interior de las orejas una tonalidad rosada, con la misma técnica de veladuras, sin cubrir por completo el blanco de fondo.


Las sombras más profundas se refuerzan con más veladuras; primero con el mismo gris del comienzo, y luego con un gris mezclado con marrón café al 50%. Estas sombras amarronadas hacen un buen conjunto con el amarillo tostado de las luces. También le di a los ojos un rojo oscuro de base.


A grandes rasgos, ese sería el color blanco, con sus valores, tonos y cromas. Hay un trabajo en paralelo, que consiste en difuminar los límites de cada capa de pintura, para que se vea como una transición sin bordes entre los colores. Al principio cuesta superar la noción de que uno está "ensuciando" el blanco, especialmente cuando las zonas sin pintar están ahí al lado haciendo contraste. Para el saco usé una base de morado borravino, desaturado con blanco para el forro interior.


De igual manera, realzo el volumen de las arrugas del saco pintando unas sombras a partir de morado borravino mezclado con azul noche. El chaleco lleva un rojo cálico como base, y sombras en bordó. Hay una teoría del color que enuncia que para las sombras se usan colores fríos, y cálidos para las luces. En este caso además, quería darle al saco un tornasolado entre dos colores, digno del País de las Maravillas.


A medida que suavizo las sombras en el saco y el chaleco, pienso que el chaleco necesita un estampado. Con un rojo intenso y un pincel fino, dibujo una grilla de rombos con los símbolos de las cartas de poker.


Casi listo! El reloj y los botones del chaleco también son ejemplos de lo que mencionaba antes: técnicas de pintura en lienzo, o renders, en donde el dorado se logra por una superposición ordenada de marrones, ocres y amarillos. Aplicado sobre esculturas, permite realzar los volúmenes y exagerar intencionalmente ciertos efectos que no podrían lograrse con pintura dorada.
Volviendo al color blanco, no deja de asombrarme como se "aplana" cuando los otros elementos que componen la escultura ya están pintados en su color correspondiente.
Sólo queda construirle una base, y llevarlo a destino. Tiempo total: dos días, bastante inspirados.


Gracias por leer!

martes, 29 de mayo de 2012

brujas y stop motion

Hola!

Durante este último tiempo estuve dedicado, entre otras cosas, a actualizar mi portfolio. Y revisando trabajos pasados, encontré uno bastante peculiar. 
Muchas veces me preguntan si alguna vez hice Stop Motion, o animación con figuras. No directamente, pero en una oportunidad recibí un encargo de unos personajes para un cortometraje.
La historia fue asi:
Hace unos años, me contactaron unas personas de la producción. Estaban buscando hacer algo con animación al "estilo Burton" (sic). Salvando detalles del guión, en concreto necesitaban dos personajes, una bruja y una heroína.
Después de varios presupuestos rechazados (el estilo del amigo Tim está respaldado por unas figuras de caucho siliconado sobre estructuras de acero articuladas con rótulas. Tan caro como suena), llegamos a un acuerdo entre lo que se podía hacer y los recursos disponibles.
Pensé en los muñecos articulados de madera, de los que se usan para dibujo. La escala coincidía con lo que estaban buscando, y como los personajes podían estar bastante vestidos, no hacía falta recurrir al caucho para revestir las articulaciones, el propio vestuario iba a ser más que suficiente.
Una vez aprobados los bocetos de las propuestas, comencé con la bruja:


De acuerdo al storyboard, no tendría movimiento en las piernas así que las reemplacé por unas fijas para evitar movimientos no deseados en el rodaje.


En la foto se pueden ver: mis manos trabajando lo que sería el sombrero de la bruja, las dos caras intercambiables terminadas y listas para pintar y la mugre que había en mi taller en ese entonces.


Para ser expeditivo (el tiempo apremiaba), modelé únicamente las partes que no estarían cubiertas por los vestidos. En la siguiente foto se ve el imán para sostener las caras, y la bruja a medio vestir...


...junto con las caras intercambiables. El sombrero de la bruja quedó fijo a la cabeza, y una capucha muy conveniente ocultaba la union de la máscara.


En el caso de la princesa heroína, la unión de la máscara quedó mimetizada gracias a una vincha. De todas formas, había una escena en donde caía al vacío, y el cabello debía acompañar este movimiento.
Terminamos decidiendo que lo mejor sería hacer unas trenzas con alambres por dentro, que se puedan moldear y a la vez evitar el efecto de "pelo vivo" que ocurre en la animación cuadro por cuadro.


Variedad de rostros intercambiables, con distintos gestos. Cada "máscara" tenía al dorso un imán, que las conectaba y fijaba sobre la cabeza del muñeco articulado.



Nuestra heroína cantando




Aunque mi parte del trabajo quedó hecha, y los productores contentos, nunca tuve más noticias del corto. No sé si se hizo, ni como quedó. me hubiera gustado ver a estos personajes animados, pero supongo que no faltará oportunidad.

Gracias por leer!

viernes, 27 de abril de 2012

Simón Wacho

Cambios. Más cambios.
El año que pasó lo pasé monopolizado por el trabajo en relación de dependencia. Mucho aprendizaje, mucha gente muy talentosa y maravillosa, pero poco tiempo para dedicarle a otras actividades.
Por esta razón, suspendí temporalmente el proyecto del ajedrez, y las actualizaciones del blog.
Hasta que un día, mi amigo El Wacho organizó el "25/25": repartió veinticinco bastidores entre los integrantes del Departamento de Arte de la empresa. Tema libre. A mí me tocó uno, y luego de unas semanas, lo transformé en esto:


Su historia es la siguiente: el tema libre generalmente me desconcierta. Quizás por los años que pasé en la facultad, me siento mas cómodo moviéndome entre consignas, condicionantes y pautas. La punta del ovillo.
Así que, como la obra iba a ser un obsequio para mi amigo, me puse a buscar inspiración entre sus trabajos.
Y encontré uno que me llamó la atención:


Pensé que me gustaría hacer una versión escultórica de este personaje. Para eso, usaría el dorso del bastidor como un escenario. Y para variar manteniendo el lenguaje de retrato clásico, se me ocurrió hacer una versión a caballo.

Con un boceto rápido como para fijar la idea y la escala que iba a tener dentro del marco, comencé con unos esqueletos de alambre, y modelando los volúmenes principales en masilla epoxi.

A cada pieza le agregué mas masilla progresivamente; primero en los volúmenes menores que no se articulan; una vez que seca corrijo la postura doblando por los alambres expuestos (por ejemplo, codos, hombros, las patas del caballo). Cuando llego a la postura definitiva, masillo las articulaciones para fijarlas.

En este caso, preferí dejar separados caballo y jinete para trabajarlos y pintarlos aparte. Cada tanto los presentaba para probar el encastre y la postura juntos.
 Haciendo pruebas, encontré que el sable quedaba mejor en la mano izquierda. Esto formaba en la figura un eje tendiendo a vertical que equilibraba la composición. También decidí modelar la capa y las crines del caballo como si un viento soplara desde atrás.

Una vez modeladas los últimos detalles, separé las piezas para pintarlas. Tenía mis dudas sobre qué iba a pasar con las correas, pero afortunadamente quedaron adheridas a la mano del jinete.
Dejé alambres sobresaliendo de ambas figuras; esto me resulta muy útil para sostenerlas mientras modelo, cuando las tenga que pintar, y para fijar el caballo a la base definitiva.
Ahora inicia la fase de pintura. Rocié todas las piezas con una base blanca mate en aerosol. Uso blanco o negro, dependiendo de cómo sean los colores que use después. Parece mentira, pero una base negra da siempre un tono más sombrío y apagado, y hay algunos colores que no la cubren del todo. Con blanco abajo resaltan los colores vivos y pálidos. Entonces después de varias manos de base y una vez que seca, comienzo a pintar las sombras con un gris medio. Varias capas traslúcidas de pintura acrílica al agua forman un gradiente de tonos. Por ahora, no me preocupo mucho en difuminar los bordes.

Lo mismo para el jinete. Sombras grises a la cabeza, gris claro para fundir los bordes de las sombras con los tonos medios. Sobre esto aplico unas capas de amarillo tostado muy diluido, solamente para darle un tono cálido a las luces. Finalmente refuerzo las sombras más intensas con una mezcla de gris oscuro con marrón. En la foto se ve que con el "color hueso" casi listo, y algo del uniforme avanzado.
Para la ropa sigo el mismo método: un color de tono medio como base sobre el blanco, luego las sombras, y finalmente algunas luces de tonos más claros, en lugares sobresalientes del modelo.
Decido no usar el mismo rojo para separar la capa de la chaqueta; lo mismo con el caballo, elijo un tono de blanco más cálido para la crin y la cola. Me queda ver qué hago con algunos colores circundantes, como la montura y la vaina de la espada.

Para pintar los dorados, uso una convención de pintura clásica, en lugar de pintura metalizada. Se trata de reproducir el brillo a partir de marrones, sepias, sienas y amarillo claro. Lleva un poco de práctica, pero una vez dominada la técnica se logra que la pieza brille tanto como uno quiera, y no dependa de las condiciones en que esté iluminada.

Para la capa, aplico sobre la base roja sombras hechas de una mezcla del mismo rojo con azul noche. El color queda como tornasolado, quedaría sucio si para sombrear usara negro. Cosas que uno aprende por ahí.

Para el fondo, comienzo con base blanca también. Sobre ésta rocío azul noche con aerógrafo, mientras enmascaro con trozos de algodón para conseguir un efecto "nubes". Trato también de hacer un gradiente entre un azul más intenso arriba, y blanco abajo.
Finalmente, paso un amarillo tostado muy suave sobre el blanco para darle un tono de luz cálido.

Con el fondo listo, paso a la construcción de la base. En el boceto lo había dibujado en la cumbre de un peñasco. Pensé en hacer una copia en resina de una piedra real, pero como el bastidor iba a estar colgado de una pared, tenía que pensar en el peso que tendría. Además me mudé y mis materiales quedaron dispersos en varios lugares, opté por tallarlo en telgopor de alta densidad y pintarlo.


Después de tallarlo, lo sellé con cola vinílica, y lo cubrí con piedritas para pecera y arena. Una técnica básica que aplicada con cierto criterio, deja una buena textura como para pintarlo cuando seque y que parezca terreno. El último detalle se lo doy con una ramita de orégano seca y convenientemente pintada.

Ya está casi listo! Sólo queda verificar en qué posición fijar la figura a la base. Siempre que puedo dejo las piezas sin ensamblar hasta el final. A veces me veo tentado de unir partes en la mitad del proceso para reducir un poco la cantidad de porquerías que hay sobre la mesa; para después encontrarme con que necesito despegarlas otra vez. En este caso, por ejemplo, si hubiera pegado los peñascos al fondo, me hubiera costado un poco más de trabajo perforarlos para unir el caballo.

Todo unido, unas horas para que sequen los adhesivos, y ya está! Gracias por leer!

martes, 7 de junio de 2011

...

Hola!

Hoy, otra prueba de estilo hecha en lápiz azul. Sigo definiendo la estética de los personajes nuevos, cada vez mas cerca. De nuevo un spiritas, pero este tiene otras proporciones anatómicas. Posiblemente termine usándolo como torre.

lunes, 23 de mayo de 2011

¡Señales de vida!

Hola,

como se habrán dado cuenta, hace meses que no posteo nada. Los motivos: trabajo nuevo, proyectos nuevos, planes, gente, la vida misma.
Pero hete aquí que pese a todo eso encontré un espacio de tiempo para hacer un dibujito veloz que adjunto a continuación:

















Un spiritas, en este caso. Quise desarrollar indivudualmente un personaje de acuerdo al método de las curvas que expliqué en posts anteriores. En el boceto preliminar se ve más claro:





















No pensé demasiado en el producto final (una pieza material), sino que por ahora me contento con hacer dibujos más bien conceptuales, que me ayuden a definir la línea de la versión nueva.

En fin, eso es todo por hoy.